Andrea Bellini e Nora N. Khan

NICOLAS VAMVOUKLIS IN DIALOGO CON ANDREA BELLINI E NORA N. KHAN

Intraprendere il viaggio panoramico in treno verso Ginevra è sempre un preambolo accattivante per un’esperienza coinvolgente nel mondo della creatività. Mentre i suggestivi paesaggi svizzeri si susseguono lungo il tragitto, cresce l’attesa per l’ultimo capitolo dell’innovazione artistica: la 18a Biennale de l’Image en Mouvement. La mostra, intitolata “A Cosmic Movie Camera”, presenta quindici nuove produzioni sviluppate appositamente per questa occasione, che catturano l’essenza dei media sperimentali.

Tra i progetti degni di nota, spicca l’immaginario “Saliva Retreat” di Lauren Lee McCarthy, uno spazio lounge intimo che invita a discutere di scambio corporeo, autonomia e privacy dei dati. Emmanuel Van der Auwera contribuisce con una video-scultura ipnotica, utilizzando modelli di intelligenza artificiale generativa e campi di radianza neurale per ipnotizzare i visitatori. 

Il film “La Gola” di Diego Marcon naviga abilmente nel melodramma, giustapponendo le prelibatezze di una cena alla progressione dei sintomi che peggiorano. Da non trascurare l’installazione multimediale di Formafantasma, che indaga sul riciclaggio dei rifiuti elettronici. La loro indagine si concentra sul ruolo del design nel trasformare le risorse naturali in prodotti desiderabili, offrendo una prospettiva stimolante sulla sostenibilità.

Durante la settimana di apertura di questo festival di arte visiva, ho incontrato i curatori della biennale per approfondire la celebrazione dell’immagine in movimento, che si svilupperà sui cinque piani del Centre d’Art Contemporain Genève.

Nicolas Vamvouklis (NV): La Biennale de l’Image en Mouvement è iniziata quasi quarant’anni fa in un formato completamente diverso, ponendo sempre al centro l’immagine in movimento come medium onnipresente e in costante evoluzione. Che cosa distingue questo evento e lo rende particolarmente attuale?

Andrea Bellini (AB): La nostra biennale è unica perché, fondamentalmente, non è solo una mostra ma una piattaforma di produzione. Non ci interessa mostrare opere esistenti con titoli nuovi o accattivanti. La nostra avventura nel mondo delle immagini in movimento è dedicata alla produzione di nuove opere. Per questo motivo non solo mettiamo a disposizione degli artisti il budget per creare un’opera completamente nuova, ma li accompagniamo anche nella produzione nel corso di due anni. Ho lanciato questo format nel 2014 e si è rivelato un grande successo. Al centro di questo approccio c’è l’idea che i curatori facciano un passo indietro. Sebbene chiediamo ai nostri co-curatori di aiutarci nella selezione degli artisti, ci asteniamo dall’imporre loro temi specifici.

NV: L’edizione di quest’anno ha come titolo “A Cosmic Movie Camera”. Ci puoi spiegare l’idea che c’è alla base?

AB: Tre anni fa ho deciso che questa edizione avrebbe esplorato il rapporto tra arte e nuove tecnologie. Per questo ho nominato Nora N. Khan come co-curatrice. Attraverso questa mostra, ci addentriamo in questioni cruciali sul nostro rapporto con l’intelligenza artificiale, sul modo in cui le immagini invisibili vengono usate per condizionarci e sulle complesse questioni che riguardano gli algoritmi che generano autonomamente immagini, influenzando il nostro comportamento politico, sociale ed economico.

La mostra, apparentemente futuristica, ci racconta in realtà molto del nostro presente. Rivela storie di guerra, esilio e paura delle macchine, ma anche di vita e speranza. Forse uno degli aspetti che più colpisce è la necessità di vivere la vita come un percorso di iniziazione e conoscenza.

NV: Per questo nuovo capitolo hai lavorato insieme a Nora N. Khan. In che modo avete collaborato allo sviluppo del progetto?

AB: È stato fantastico lavorare con Nora. Non è solo una curatrice, ma anche una brillante scrittrice e saggista. Per Nora – e anche per me – si è trattato di un viaggio iniziatico durante il quale ci siamo conosciuti e abbiamo discusso di questioni tutt’altro che semplici. Insieme abbiamo selezionato tutti gli artisti, intavolando conversazioni e dibattiti con grande libertà e rispetto. Questo rapporto di lavoro è stato molto umano e mi ha arricchito profondamente. Ho imparato molto da Nora, forse più di quanto lei abbia imparato da me.

NV: L’apertura della biennale coincide con la celebrazione del cinquantesimo anniversario del Centre d’Art Contemporain Genève. Che progetti avete per questa occasione speciale, in particolare con il designer Giacomo Castagnola?

AB: Con Giacomo Castagnola abbiamo concepito un progetto incentrato sul concetto di “dono”. Poiché questo è il cinquantesimo anniversario del Centro, abbiamo deciso di donare tutti i cataloghi, i manifesti e gli inviti prodotti negli ultimi anni al pubblico, senza il quale l’istituzione sarebbe un guscio vuoto. Conserveremo solo le copie per il nostro archivio.

Grazie a Castagnola, questo luogo di “donazione” sta prendendo forma in armonia con gli spazi espositivi del Centro. Infatti, tutti gli scaffali su cui abbiamo collocato i cataloghi che offriamo ai visitatori si sviluppano attorno alla gabbia metallica dell’ascensore, come se fosse la spina dorsale dell’istituzione, attorno alla quale esponiamo la nostra storia.

NV: L’intero Bâtiment d’Art Contemporain di Ginevra, dove ha sede il Centro, sarà presto sottoposto a lavori di ristrutturazione e riorganizzazione. Come evolverà la vostra programmazione in questo periodo di transizione?

AB: In effetti, a partire dal 2025, questo edificio sarà chiuso per un restauro che durerà almeno quattro anni. La vediamo come un’opportunità per reinventare il modo in cui la nostra istituzione opera. Piuttosto che affittare una sede possibilmente più piccola e creare una versione del progetto ridimensionata , vogliamo sperimentare qualcosa di completamente nuovo. Il nostro piano prevede la collaborazione con diverse istituzioni a Ginevra e all’estero, che porterà alla creazione di un progetto senza precedenti che, in un certo senso, si allineerà con l’insegnamento e l’apprendimento. È troppo presto per entrare nei dettagli, quindi rimanete sintonizzati. Succederà qualcosa di meraviglioso!

NV: Nora, vorrei saperne di più sull’idea della biennale, che a quanto pare è collegata ai tuoi interessi di ricerca in materia di algoritmi, intelligenza artificiale e apprendimento automatizzato.

Nora N. Khan (NNK): La Biennale de l’Image en Mouvement si sottrae alla solita formula di un tema in cui le opere d’arte si “inseriscono”. Creare un concetto abbastanza leggero da poter ” fluttuare” in mezzo a questo gruppo di artisti, senza risultare didascalico, è stata una bella sfida concettuale. All’inizio ho scritto un articolo sui temi più interessanti che stavano emergendo nel settore, spesso descritti con un termine generico: “artisti che lavorano con le tecnologie emergenti”. In dieci anni il campo si è evoluto rapidamente, superando la novità, ad esempio, della “formazione ML” per includere una ricerca attenta e di ampio respiro sulla natura mutevole dell’immagine in movimento. Sono stata attratta dagli artisti selezionati, che passano al setaccio i miti, le teorie e l’ideologia che guidano la progettazione tecnologica, e dagli esseri umani che vivono sulla scia o all’ombra di queste storie.

Dal momento che le storie sulla tecnologia – e su ciò che essa è destinata a fare nel mondo – influenzano la sua progettazione e, inoltre, rendono difficile vederne l’impatto reale, vedere gli artisti usare queste stesse storie come materiale creativo mi ha affascinato. Gli artisti inventano, creano e simulano modi per vedere l’invisibile – come prestigiatori, sì, ma anche come scienziati, dai data scientist agli astrofisici ai game designer. Ci insegnano a vedere ciò che è difficile da individuare e rilevare nel nostro mondo numerico: quelle forze immateriali che plasmano il nostro linguaggio e il nostro senso del tempo. Alla fine, il concetto di biennale si è formalizzato con la maturazione delle loro opere. Andrea e io condividiamo l’interesse per le scoperte scientifiche.. (Mio padre è un fisico teorico, quindi il suo lavoro riguardava ciò che è impercettibile all’occhio umano). Il termine “cinepresa cosmica” – un gesto metaforico e potenzialmente una descrizione reale – sembrava perfetto per questo gruppo di artisti così eterogeneo. Abbiamo bisogno di modi per creare e rappresentare ciò che non si vede con immagini, allucinatorie, costruite e di altro tipo. Queste simulazioni ci hanno sempre aiutato ad avvicinarci all’ignoto, come una scala che viene fatta ruotare e proiettata verso il vuoto. L’idea è quella di aiutare i visitatori a farla girare a loro volta!

NV: Sono curioso di sapere come sono stati selezionati gli artisti e i collettivi partecipanti. Come hai collaborato con Andrea a questo proposito?

NNK: Sebbene io e Andrea conoscessimo il lavoro professionale dell’altro, naturalmente le collaborazioni più stimolanti nascono da un’amicizia basata sul rispetto reciproco. L’elenco finale degli artisti è nato dopo mesi di conversazioni e discussioni che si sono basate sulla visione, la visita e la lettura attenta dell’intera opera di centinaia di artisti. Ammiro quello che Andrea ha fatto diventare BIM e mi ha incuriosito l’apparente totale libertà concessa al curatore o ai curatori ospitati e, a loro volta, agli artisti. Alla fine ho capito che il successo e l’ambizione di BIM sono radicati in questa fiducia negli artisti, nelle loro idee più grandi e brillanti, e nel seguirli e sostenerli pienamente. Ci siamo occupati di autori che si trovavano a un punto di svolta cruciale nella loro carriera, le cui opere si stavano muovendo versi nuovi linguaggi e che, di fatto, stavano esercitando un’influenza massiccia sull’approdo a dibattiti spesso chiusi ed elitari sulla “tecnologia”. Abbiamo visitato mostre, discusso di opere nuove e precedenti e attinto ai nostri rispettivi viaggi attraverso l’arte e gli spazi para-istituzionali. Abbiamo poi riflettuto sulle domande a cui gli artisti del gruppo hanno risposto e, tutti insieme, poi sulla visione olistica dell’intero progetto. Sono particolarmente soddisfatta del fatto che, sebbene i singoli artisti di questo gruppo siano spesso presentati al pubblico con gli stessi riferimenti, molti di essi non sono stati accomunati. Sono un gruppo sorprendentemente vivace e dinamico.

NV: Tutti gli artisti sono stati incaricati di creare opere originali per la mostra. Quali sfide ha dovuto affrontare per gestire un processo così intenso, considerando le sfumature specifiche del medium scelto?

NNK: Avendo già lavorato in passato a commissioni di grandi dimensioni nell’arco di uno o due anni, avevo certamente in mente le potenziali trappole e insidie di un simile processo. Nel settore dell’arte e della tecnologia, spesso si lavora a progetti molto ambiziosi, tecnicamente e concettualmente impegnativi. Tali progettualità richiedono che si lavori correttamente su più livelli. Quindi abbiamo invitato l’artista ad attingere al progetto dei suoi sogni o a un’idea non realizzata, e poi ad affrontare il problema: come facciamo a garantire che funzioni tecnicamente? Di quale supporto e competenza avremo bisogno? Dove abbiamo già visto un’idea e qual è l’installazione ideale? Qual è l’atmosfera che l’artista spera di ottenere nello spazio? Come possiamo “muoverci” con le sue idee, rimanendo il più possibile leggeri? Quali risorse sono necessarie – quali infrastrutture, di quanto personale abbiamo bisono? 

Le opere presentate vanno dall’eredità genetica ipotizzata all’uso dei NeRF (campi di radianza neurale); quindi, come si inserisce l’educazione? Se ci devono essere modifiche a causa di esigenze imprescindibili, come fa il concetto a rimanere intatto? Potremmo pensare a versioni di un nuovo lavoro, essendo questo il primo di molti? Man mano che le opere prendono forma, abbiamo una chiara percezione della coreografia che sta emergendo. Una delle sfide più grandi è l’input. In qualità di curatore, spero di impegnarmi con il maggior numero di artisti possibile a risolvere i problemi e di superare i nodi concettuali che si presentano. Il mio ruolo è quello di essere uno strumento utile e produttivo, che non si sovrappone, ma offre spunti e critiche positive. Si tratta di dialoghi bellissimi che diventano reali. Le sfide valgono sempre la pena.

NV: Ricordo di aver letto online che ti piace “studiare la persona di fronte alla macchina, in relazione alla macchina, e inevitabilmente pensare attraverso la macchina”. Tenendo presenta questa frase, mi chiedo cosa spera che i visitatori possano trarre dalla biennale. 

NNK: In ogni mostra, ci sono sempre una o due domande dei visitatori che si fanno notare. Una delle mie preferite, qualche anno fa, in una mostra che riguardava in gran parte l’uso improprio della tecnologia da parte delle donne; un visitatore ha guardato le opere in mostra ispirate alla “time-based media art” e ha chiesto: “Ma perché questa è arte? Abbiamo avuto una brillante conversazione in cui ho dovuto rivedere il mio quadro di riferimento e il mio contesto storico su cosa sia l’arte. Nella prima settimana di apertura del BIM’24, ho parlato con alcuni visitatori per i quali le idee, l’estetica e i concetti erano del tutto nuovi; volevano sapere perché un gioco fosse un’opera d’arte o erano curiosi di conoscere il preciso equilibrio tra narrazione e ricerca in ogni opera. Altri hanno detto di non aver visto molta “immagine in movimento” o di non averla vista nella forma che si aspettavano. Trovo affascinanti queste risposte precise. Quando ho parlato con i vari artisti, la nostra comprensione e i nostri parametri dell’immagine in movimento” erano necessariamente vasti: poteva essere un riflesso in una ciotola d’acqua; potevano essere i milioni di immagini sintetiche prodotte dal nostro telefono che non vedete mai. Ci sono molte preferenze personali e idee su cosa dovrebbe essere l’arte che il pubblico porta sempre con sé a una mostra. Sono francamente entusiasta se un’opera non sembra essere arte, e quindi genera una conversazione. Le opere realizzate con o sulle tecnologie, in particolare la ML e l’AI, hanno da tempo affrontato questo rifiuto perentorio e i sentimenti più forti per una buona ragione.

Spero che i visitatori di BIM’24 si portino con sé una serie di domande sul loro rapporto con i sistemi nella loro vita, che possano rivedere e tenere a mente nei tumultuosi anni futuri dell’immagine. Spero che la gamma di esempi di “immagine in movimento” – costruita, sintetica, filmata, proiettata, generata, disegnata a mano, animata – in mostra possa ampliare la lente con cui gli spettatori considerano il nuovo,strano mondo dell’immagine in cui ci troviamo, e usare questa consapevolezza per dotarsi di un apparato critico più acuto per discernere, valutare, sentire e discutere ciò che queste immagini ci stanno dicendo.

• TUTTE LE INTERVISTE

PHOTO CREDITS

1 Diego Marcon, La Gola, 2024
Digital video transferred from 35 mm, CGI animation, color, sound, 22’22’’
Courtesy of the artist, Sadie Coles HQ, London, Kunstverein Hamburg, Kunsthalle Wien, and Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24.
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

2 Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

3 Jenna Sutela, Sharp wave, ripples, 2024
Five sculptures, blown glass, LEDs, microprocessors, wires, variable dimension
Courtesy of the artist & Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

4 Alfatih, A Way Out of Time, 2024
Pram, real-time video of variable duration, full-time gallery attendant
Soundtrack by Tapiwa Svosve
Courtesy of the artist & Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

5 Sahej Rahal, Distributed Mind Test (DMT), 2023
Videogame, site-specific sculpture, drawings, installation, sound
Courtesy of the artist & Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

6 American Artist, Yannis Window (still), 2024
Sculptural projection, single-channel 4K video with sound, 21’32”
Courtesy of the artist & Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24

7 Formafantasma, Ore Streams, 2017-2019
Multimedia installation, variable duration
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

8 Lauren Lee McCarthy, Saliva Retreat (still), 2024
Digital video, 43’
Courtesy of the artists & Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève

9 Emmanuel Van der Auwera, VideoSculpture XXX (The Gospel), 2024
Video installation, 17′ 53”
Courtesy of the artist, Harlan Levey Projects & Centre d’Art Contemporain Genève for BIM’24
Exhibition view of the Biennale de l’Image en Mouvement 2024, A Cosmic Movie Camera, at Centre d’Art Contemporain Genève. Photo: Mathilda Olmi © Centre d’Art contemporain Genève