Nell’entrare studio di Hiejin Yoo ci si sente come in un bagno di sole. Ed è la stessa sensazione di quando si guardano le sue opere, luminose e colorate.

Al mio arrivo la luce calda di Los Angeles inondava sia l’esterno che l’interno di questo spazio industriale trasformato in un luogo di studi  condiviso da diversi artisti.

Stranamente questa atmosfera ha immediatamente abbassato tutta la tensione che avevo accumulato dalla mia prima volta a guidare negli Stati Uniti, e i primi 15 minuti di guida a Los Angeles.

Ero appena atterrata da Città del Messico a Los Angeles e lo studio di Hiejin Yoo è molto vicino all’aeroporto, quindi ho pensato che poteva essere un perfetto inizio per una  serie giorni di studio visit che avevo in programma prima della fiera.

Come un caldo abbraccio rassicurante, il lavoro di Hiejin Yoo trasmette e infonde naturalmente questo confortante senso di sollievo e di ricarica emotiva, che risuona davvero con la sua personalità caratterizzata da un atteggiamento solare e una gentilezza gentile.

Questa è sempre stata la sensazione  che ho provato ogni volta davanti alle sue opere, ma incontrandola di persona ho realizzato che Hiejin ha anche un’aura estremamente positiva.

Attraverso le sue opere il suo spirito estremamente empatico funziona come una camera di risonanza e di amplificazione per una serie di momenti che la natura e le piccole cose intorno a noi possono offrire ogni giorno, se siamo ricettivi.

Hiejin è nata in Germania, poi cresciuta in Corea del Sud e infine si è trasferita a Los Angeles, per studiare e poi vivere e lavorare negli Stati Uniti.

Il suo ricco background interculturale ha sicuramente arricchito il suo linguaggio visivo, che attinge oggi liberamente a diverse fonti culturali, ma soprattutto si ispira alle diverse atmosfere e sensazioni delle stagioni che ha vissuto in tempi e luoghi specifici, e che riemergono nelle sue opere.

Quando ci siamo incontrate non aveva molto da mostrare in studio: aveva appena fatto una mostra personale alla Half Gallery di New York, quindi la maggior parte delle sue opere recenti erano andate tutte lì.

La mostra ha avuto molto successo ed è andata presto sold out.

Nonostante Hiejin Yoo sia oggi una delle artiste molto richieste, mantiene una semplicità sorprendentemente genuina, di chi vive ancora la sua arte come una passione e un bisogno prima di tutto, e come lo strumento perfetto per elaborare e tradurre la sua esperienza del mondo.

Sulla parete centrale dello studio c’era un intrigante dipinto dai toni luminosi e prevalentemente gialli, con due mani che tengono e stringono questa ciocca di capelli appena lavata, o dei vestiti dopo il bucato.

Hiejin mi spiega che questo gesto le ricorda quando aiutava la madre o la nonna a stendere il bucato, ma anche quando, non sentendosi bene, aveva avuto bisogno dell’aiuto del marito per lavarsi i capelli, come ora ne ha bisogno lui dopo essersi rotto un braccio.

“Questo tipo di gesto semplice e universale ci collega con le persone che amiamo e di cui ci prendiamo cura, in una dimensione collaborativa di condivisione dell’amore, dell’affetto e della cura e dove sappiamo di poter contare l’uno sull’altro” 

I dipinti di Hiejin sono spesso infatti incentrati su questi piccoli gesti, che lei evoca attraverso sagome semplificate e segni audaci mettendoli in scena allegoricamente in paesaggi dai colori brillanti.

Queste figure, per lo più mani e o silhouette semplificate, sono spesso unite da questo contesto allegorico, in modo che la vita interiore e i sentimenti possano fondersi e diffondersi nella natura esterna.

Mi confessa che suo marito è stato a lungo una grande fonte di ispirazione per le sue opere. Infatti, ha iniziato ad elaborare e formalizzare questo stile oggi molto iconico e riconoscibile con queste linee fantasma di arti solo dopo essersi trasferita a Chicago per il suo MFA. Lì le fu consigliato di concentrarsi su questo forte sentimento di solitudine che stava provando essendo lontana dal suo ragazzo di allora. Così ha iniziato a ricordare memorabilmente dei momenti, e poeticamente tradurli e rievocarli sulla tela.

La maggior parte dei suoi lavori precedenti riguardavano proprio questi momenti e gesti d’amore, caratterizzati quindi da un poetico sentimentalismo, estremamente genuino e sincero, senza alcun drammatismo.

” Volevo esprimere quelle sensazioni che provi quando la persona che ami non è accanto a te, ma cerchi di rievocare e senti la mancanza del suo tocco e scambio di gesti”, mi spiega.

In questo senso, le sue opere hanno molto in comune con la poesia, e con gli haiku in particolare: tutti gli elementi funzionano più come versi criptici e minimi, brevi epifanie, che illuminano e attivano tutta una serie di suggestioni e impressioni semplicemente proiettandole nello spazio vuoto tra le righe.

Ho potuto capirlo meglio dopo che mi ha confessato che un altro grande suggerimento che ha ricevuto durante il suo MFA è stato quello di non dover passare, come in una radio, tra figurativo e astrazione necessariamente. Ma ci poteva essere uno spazio intermedio da esplorare, pieno di possibilità.

Come poi mi spiega mentre entro ancora di più nel  suo processo artistico, il suo approccio alla pittura è molto mentale: ha un’idea, un’impressione, ma poi si prende il suo tempo per elaborarla nella sua interiorità e nei suoi ricordi. Quando va sulla tela ha già un’idea di come sarà l’immagine, come una traduzione diretta di questa immagine mentale che è stata originata attraverso i sogni, i ricordi e poi allegoricamente trasfigurata in una dimensione puramente surreale, e persino spirituale.
“Diari intimi e meditazioni sulla scoperta di sé” – così Hiejin descrive spesso le sue tele.

Dirotto poi la mia attenzione su un’altra opera: un profilo di una mano in stile cartone animato  allunga un dito come per tastare l’aria, di fronte a un cielo crepuscolare rosato.

Mi dice che ci sta ancora lavorando, ma l’idea è nata quando era a New York per la mostra: improvvisamente faceva caldo e c’era il sole, così qualcuno le ha detto che stava portando con sé il clima californiano. Dato che questo è successo in un periodo diverso della sua vita, è stata attratta da questa idea che possiamo in qualche modo influenzare il tempo, con il nostro umore e atteggiamento, almeno nella credenza comune. Così ha voluto provare a tradurre su tela questo concetto estremamente poetico.

Mi rivela che negli ultimi tempi, e soprattutto dopo la pandemia, ha iniziato a concentrare maggiormente il suo lavoro sulle sensazioni che la natura circostante le trasmette. Trasferirsi in una zona più verde, portando fuori il suo cane, l’ha davvero aiutata a concentrarsi e ad apprezzare di più gli incredibili colori già disponibili in natura, e che a Los Angeles in particolare sono estremamente vibranti e brillanti come nelle sue opere. Questo sta permettendo alle sue opere di diventare molto più universali, pur partendo da esperienze molto personali e per lo più autobiografiche di incontri con il mondo.

A conferma dell’universalità dei sentimenti che queste opere trasmettono, mi racconta che durante i primi giorni della mostra a New York una famiglia è entrata spontaneamente in galleria, e lei ha iniziato a parlare con loro. Lo spazio di Half Gallery ha infatti le vetrine piene, quindi la gente può incuriosirsi a vedere la mostra semplicemente camminando fuori in strada.

Le hanno confessato che erano appena stati ad un funerale, ma guardando le sue opere era stata un’esperienza così edificante e confortante per il loro spirito, che li ha fatti sentire un po’ meglio.

Tutto sta nell”universalità di certe energie che l’arte può attivare, o infondere, anche solo attraverso semplici piani di colore e forme, quando queste sono impregnate di sentimenti.

Questo è qualcosa che tutta l’astrazione ha esplorato, ma io descriverei piuttosto il suo lavoro come sintetismo espressivo – avvicinarsi liberamente alla figurazione per plasmare colori e forme in un modo universalmente leggibile che risuona con il mondo interiore, all’inizio.

Mi dice che è solo l’inizio della settimana, ma cercherà di lavorare sodo per avere qualcosa di più in studio da mostrare, dato che ha tutta una serie di visite in questi giorni. Ha cercato di rallentare un po’ dopo il periodo impegnativo di lavoro per la personale a New York, ma ha anche un anno molto impegnativo davanti a sé visto che ha in programma di partecipare a mostre collettive a Bruxelles e Milano in aprile, e avrà un’altra personale alla Koenig Gallery di Londra in settembre.

Nei giorni seguenti la vedrò in diversi eventi, e lei mi saluterà sempre con un sorriso caldo e genuino che si trova in pochissime persone al giorno d’oggi.
E mi sono resa conto che questa è la stessa sensazione confortante di energie positive che trasmette anche tutto il suo lavoro.