L’impiego dei costumi chiaramente ti definisce come artista. Rappresentano la tua “pelle” per esplorare l’affascinante storia e cultura delle persone e del paese in cui vivi da così tanto tempo. Com’è stato per te, artista straniera, entrare “sotto la pelle” del popolo di adozione e capirne il punto di vista, i rituali e coglierne la vera voce?

Con l’abbigliamento o con i costumi ha preso forma un dialogo con il pubblico e con gli spettatori che si confrontano con il mio lavoro. Cerco un contatto fisico diretto, affinché lo spettatore possa partecipare o immaginarsi all’interno del costume. In questo modo, cerco di affrontare temi che hanno un ruolo importante nella cultura indonesiana, nella sua storia e nei recenti sviluppi sociali, politici ed ecologici. Poiché non sono cresciuta in Indonesia, mi sento al contempo dentro e fuori dalla sua cultura, il che mi permette di affrontare alcuni tabù e punti di vista sul passato coloniale in quanto olandese.

Quando ti abbiamo invitata a partecipare al progetto, la pandemia era un problema complesso da affrontare, le restrizioni erano ancora in vigore, ma tu stavi lavorando intensamente nel tuo studio. Quali sfide ha portato questo periodo nella tua vita e nel tuo lavoro?

Più contemplazione e tempo per leggere e pensare. Prima, viaggiavo molto con il mio lavoro e facevo performance – l’aspetto fisico era molto importante in ogni momento. Durante la pandemia, confrontati con la nostra fragile esistenza, siamo stati costretti a pensare ai nostri valori fondamentali, che plasmano la nozione di vita in relazione alla morte, al tempo (presente, passato, futuro) e alla natura. Ho tradotto queste idee in vestiti orizzontali, che sono quasi impossibili da indossare, proprio perché orizzontali, e non si adattano al corpo. Attraverso i vestiti orizzontali guardiamo ciò che ci aspetta.

Di recente hai concluso una collaborazione con Agus Ongge, artista papuano impegnato in un movimento a sostegno della conservazione e riappropriazione della conoscenza e della cultura delle popolazioni indigene. Insieme, avete creato un progetto che partiva dall’Operazione Koteka, una misura adottata negli anni ’70 dal governo indonesiano che vietava l’uso di un capo speciale di abbigliamento indossato dai maschi papuani…

Il progetto non è iniziato solo dall’operazione contro la “guaina per il pene” attuata dal regime del Nuovo Ordine negli anni Settanta per cambiare le abitudini di abbigliamento in Papua. Ho svolto ricerche approfondite sull’abbigliamento e sul rapporto con le strutture di potere. I missionari che giunsero all’inizio del XX secolo in Papua, costrinsero già le persone a coprirsi di più e a privarsi delle guaine per il pene, dei perizomi, delle gonne d’erba, ecc. Agus Ongge è un artista originario del distretto di Sentani e realizza dipinti con motivi tradizionali e pigmenti di colore naturale su tessuto di corteccia. In quella zona la corteccia era usata per realizzare capi da indossare, soprattutto perizomi e parei. I missionari prima e, in seguito, il regime dittatoriale indonesiano ne proibirono l’uso, ma negli anni ’90 gli artisti iniziarono a onorare la loro tradizione e a creare e dipingere su tessuto di corteccia. Nel nostro progetto di collaborazione abbiamo in qualche modo invertito il processo dei dipinti su corteccia, trasformandoli in una serie di “indossabili”.

Il cibo è un altro tema su cui sei tornata più volte, nel tentativo di riflettere sui comportamenti avidi della nostra società, in contrasto con le sagge abitudini passate delle popolazioni locali. Il piccolo lavoro che hai realizzato per Art Theorema #3, in effetti, ricorda il tuo progetto più ampio, Nutrire la nazione… Qual è la storia di questa serie?

La realtà delle preoccupazioni sull’ecologia ci mostra quanto siamo fragili e quanto dipendiamo dalla mentalità e dalle politiche degli altri. I popoli indigeni si prendono cura del 90% delle foreste del mondo. Dobbiamo proteggerli, perché se proteggiamo loro, proteggiamo il nostro respiro, il cibo, la terra e l’acqua. Questo progetto mira a ripensare i bisogni umani di base. Come rispondono i nostri corpi al mondo contemporaneo, afflitto da comportamenti avidi? Ispirandosi alle figure accovacciate nelle sculture ancestrali, l’opera diventa un archetipo e si interroga su chi mangia chi/cosa e chi nutre chi/cosa. Per realizzarla, mi sono ispirata all’idea dell’offerta, della venerazione. L’atto di offrire è una parte importante della cultura ibrida dell’Indonesia. L’idea di dare (restituire) qualcosa, come modo per correggere gli squilibri: si ritrova non soltanto nelle cerimonie tradizionali, ma anche nelle interazioni contemporanee e quotidiane tra le persone. Sebbene spesso considerate un atto di gratitudine, in natura le offerte richiedono un costo o un sacrificio: è una ricerca di equilibrio tra chi dona e chi riceve.

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PHOTO CREDITS

Hi Inlander, Hallo Native, 1998 – 1999 Frog’s legs, chicken feet, kangaroo leather, fish skin, photographs, 3 kitchen tables, spices.
Photo credits: Queensland Art Gallery & Gallery of Modern Art, Brisbane, Australia, and the Artist.

Mella Jaarsma in collaboration with Agus Ongge At First There’s Black/Pertama Ada Hitam, 2021 Costume installation – natural colors on bark cloth, mixed media, video Variable sizes.
Photo credits: Courtesy of Mella Jaarsma and Agus Ongge

Feeding The Nation I, 2020 Photograph printed on Hahnemuhle paper 3 parts: 85 x 77 cm, 85 x 135 cm, 85 x 75 cm Edition of 5, 2 artist’s proofs.
Photo: Courtesy of the artist