Donna Huanca in conversazione con Vamvouklis

Il tuo lavoro pone l’attenzione sul corporeo e in particolare sulla pelle. Ho sempre trovato affascinante il fatto che la pelle sia l’organo più grande del corpo umano. Potresti parlarmi un po’ dei tuoi “skin paintings” dal vivo?

Sono dipinti effimeri fatti sul corpo, reagendo alle specificità di ogni individuo. I dipinti di pelle sono normalmente parte delle performance in una mostra, e la documentazione di queste performance è collimata e stampata su tela e riutilizzata nei miei dipinti. Mi piace stratificare queste diverse temporalità, l’effimero è esteso attraverso i dipinti, e l’effimero conferisce una qualità caduca ai dipinti.

Ricordo ancora l’esperienza allucinante della tua mostra del 2016 “Scar Cymbals” alla Zabludowicz Collection di Londra, che includeva potenti tableaux vivants che interagivano con l’architettura. Quali sono le principali sfide nel lavorare con i performer all’interno delle istituzioni artistiche?

Grazie! Nel mio lavoro con le istituzioni il processo inizia sempre con una considerazione dell’architettura dello spazio. Voglio riflettere sul rapporto che abbiamo con questo tipo di istituzioni, e intervenire in quell’ecosistema sacrosanto e trattenuto. Le mie mostre spesso tracciano il movimento e lasciano tracce di presenza corporea in spazi dove il corpo è spesso cancellato e trascurato. Per quanto riguarda il lavoro con i performer all’interno di queste istituzioni, la loro sicurezza e il loro benessere sono sempre la mia massima priorità.

E l’interazione con i visitatori? In che modo consideri il pubblico quando produci un nuovo lavoro?

Sento che le mie installazioni sono un viaggio attraverso il quale guido il pubblico, quindi considero sempre lo spettatore per primo. Nel comporre un’installazione penso sempre a come il pubblico si muoverà attraverso lo spazio, a cosa incontrerà lungo il percorso e a come interagirà con le mie sculture e i miei dipinti. Le mie mostre sono immersive, compongo l’odore che è collegato alla memoria o a forme rituali, come il paesaggio sonoro si riversa sul pubblico mentre si muove nello spazio, la luce e come gli spazi luminosi possono essere rivelatori e disorientanti, mentre il buio può essere un’esperienza più solitaria, queste sono tutte considerazioni e decisioni che compongono il processo.

Parliamo di abiti; una volta hai detto che gli abiti evocano i corpi e ne portano la forma e lo spirito. Charlie Porter ha recentemente pubblicato una sorta di manuale / manifesto su ‘What Artists Wear’. Quali sono i tuoi capi di abbigliamento preferiti?

La tecnica caratteristica della mia pratica è il collage, e ho sempre raccolto texture che riutilizzo in tutte le mie opere. Anche con i tessuti, li ho assemblati in performance e sculture in modo simile. Quando penso all’abbigliamento, mi interessa il modo in cui ci proteggiamo, ci elaboriamo e comunichiamo.

“CUEVA DE COPAL” è il titolo dell’installazione site-specific che stai presentando all’Arnolfini di Bristol fino a maggio 2022. Di cosa si tratta?

Sì, sono molto entusiasta di aprire “CUEVA DE COPAL” questo febbraio. Questa mostra abbraccia l’oscurità come spazio di riflessione privata e di guarigione. Dopo la pandemia, abbiamo dovuto spostare le nostre vite, isolarci per la protezione di noi stessi e degli altri. Per questa mostra, la performance avviene dietro le quinte, e l’enfasi è sul viaggio meditativo solitario del pubblico attraverso lo spazio dell’Arnolfini.

Sono molto interessato agli aspetti trasformativi e meditativi della tua pratica. Come può la creatività diventare una forza curativa?

Penso che la creatività e le esperienze estetiche possano essere una fonte di perturbazione che ci aiuta ad apprezzare ciò che ci circonda, specialmente ora che negoziamo la vicinanza reciproca, mentre impariamo a connetterci attraverso mezzi virtuali e il contatto umano diventa più pericoloso.

Ringraziamenti speciali: Peres Projects, Berlino.