Sophie Utikal in conversazione con Nicolas Vamvouklis

Sophie, è stato bello incontrarti la scorsa estate a San Marino, dove hai partecipato alla Biennale Giovani Artisti Mediterranea 19. Puoi raccontarci un po’ della tua esperienza alla “School of Waters”?

Ho visitato “School of Waters” dopo aver trascorso mezzo anno in isolamento a Berlino, quindi essere in grado di connettermi con nuove persone è stato come uscire dalla mia triste caverna di isolamento e riconnettermi di nuovo con la vita.

Ricordo l’ultima notte come la sessione d’ascolto di Michele Seffino si è trasformata in questo spontaneo evento di danza all’aperto dove abbiamo fatto collettivamente il DJ per diverse ore sul portatile di qualcuno e abbiamo ballato sotto le stelle. A nessuno importava della musica; tutti erano così felici di essere di nuovo insieme, ballando e ascoltando musica dagli altoparlanti.

“School of Waters” è stato anche energizzante e motivante per me a livello professionale. Questa è stata la mia prima partecipazione a una Biennale, ed essere in mezzo a così tanti artisti di successo è stata una novità per me. Avevo studiato all’accademia d’arte di Vienna ed ero per lo più circondato da artisti molto critici che avevano molti blocchi dovuti a ragioni personali e/o strutturali. Quindi è stato molto rilassante incontrare una nuova comunità di artisti che si divertivano a mostrare ed esprimere se stessi. Mi ha dato una nuova prospettiva di dove voglio andare con la mia arte come professione.

Sono ancora in contatto con alcuni artisti che ho incontrato durante quei giorni; ho tenuto un workshop con Enrico Floriddia qualche mese dopo alla Kunsthalle Wien e Angeliki Tzortzakaki è passata per il mio compleanno qualche settimana fa a Berlino.

Mi piacerebbe sapere di più sul tuo background e come si manifesta attraverso la tua narrazione tessile figurativa.

Vengo da una famiglia colombiana dove è molto comune avere piccoli arazzi in casa come decorazione. Questi piccoli arazzi sono di solito fatti a mano e raffigurano scene di vita quotidiana: alberi, automobili, il mercato alimentare. Si chiamano arpilleras, e ne sono sempre stata affascinata; hanno qualcosa di molto morbido e gioioso.

Negli anni ’80, questa tecnica è stata anche adattata dalle donne cilene che si sono riunite per cucire sulle atrocità della dittatura di Pinochet.

Alcuni di questi lavori sono nella collezione del Museo de la Solidaridad Salvador Allende. Quando ho visto queste opere, sono stato convinto dal potenziale dei tessuti figurativi: semplici ma potenti e anche accessibili. Accessibile nei mezzi di produzione ma anche nella percezione delle opere. Queste sono qualità che apprezzo come metodo. Mi piace molto anche il materiale stesso.

Il tessuto mi ricorda la pelle, e i punti sono simili ai punti di sutura durante un’operazione. Amo i molti strati che questo mezzo ha nel cucire insieme i frammenti in un nuovo corpo, un nuovo mondo.

Hai scelto un modo molto tradizionale per cucire insieme storie frammentate che abbracciano le differenze. Come immagini l’evoluzione di questo processo? Stai sperimentando anche altre tecniche?

Voglio sperimentare di più con materiali diversi come la pelle, la vernice, la maglia, ecc. Nella mia serie attuale, sto giocando con le dimensioni, andando molto più grande o dividendo e collegando le immagini di nuovo con le corde. Rendendola più scultorea.

Un altro filone che ho in mente è quello della scenografia. Amo il potenziale della performance, del teatro e dei concerti e mi piacerebbe lavorare in questo campo. Ho già provato una volta l’anno scorso con un pezzo performativo di Claire Lefèvre per Kampnagel ad Amburgo, e so che c’è ancora altro che mi aspetta.

Penso di essere pronta ad aprire il mio studio alla collaborazione in generale. Voglio ancora rimanere con il tessile come mezzo, ma voglio vedere cosa succede quando lavoro insieme a un altro artista o a un collettivo.

Nelle conversazioni precedenti, hai spesso menzionato la parola “morbido” per descrivere diversi aspetti del tuo processo, dalla tavolozza dei colori all’ambiente della mostra o anche la comunicazione tra i collaboratori. Cosa significa per te questa qualità?

Penso che morbidezza significhi nessuna aggressione, nessuna forza, nessuna violenza. Naturalmente, ci sono situazioni nella vita in cui queste sono qualità importanti e necessarie per sopravvivere, ma nella mia vita quotidiana, sento che la gentilezza e la morbidezza sono isole essenziali per me per riposare e ricaricare la mia fede che questo mondo è un buon posto dove stare. Mi piace anche l’idea di armare la morbidezza. A volte la morbidezza è il metodo più intelligente per stare al sicuro in uno spazio pericoloso. Essendo una donna, ho spesso intenzionalmente lasciato scivolare le cose con gli uomini al fine di deescalation e di uscire dalla situazione fisicamente illeso.

Hai realizzato una serie ispiratrice di pezzi tessili chiamata “Quarantena“. Il mio preferito è “Can’t Touch This” (2020). Come la pandemia ha influenzato e sta ancora influenzando la tua pratica?

La pandemia mi ha chiuso dentro con i miei tessuti e mi ha fatto creare tanti lavori come mai prima. Ho iniziato a produrre per me stessa e per la mia casa o le case dei miei amici, il che ha fatto sì che i miei lavori diventassero più piccoli, più veloci e più decorativi/belli. Recentemente mi stavo chiedendo se la qualità e la profondità del mio lavoro è diminuita con questa produzione immediata e ho deciso di dare alle mie immagini e ai miei sentimenti più tempo per svilupparsi prima di realizzarli. Ma in generale, direi che la pandemia mi ha reso molto più produttivo e determinato ad essere un artista tessile perché è stata una delle poche cose che mi ha tenuto sano di mente durante questi tempi.

Naturalmente, sto parlando qui da un luogo eccezionale. Dato che ho molta sicurezza finanziaria dalla mia carriera precedente, non ho dovuto preoccuparmi di perdere la mia esistenza o di indebitarmi per sopravvivere.

A cosa stai lavorando attualmente? Ci sono nuove mostre in arrivo?

Ora sto producendo la mia prossima mostra personale a Vienna, che aprirà il 27 gennaio 2022. Voglio sviluppare ulteriormente un lavoro che ho fatto nel 2020 chiamato “Sterile Soil, Poison Sky” che riguarda un gruppo di cinque donne sedute insieme in un cerchio di pietre che conversano tra loro. Sopra di loro c’è un cielo rosso con nuvole nere, e anche il terreno è rosso scuro. In questo pezzo tessile, sono molto calme e rilassate in mezzo a questo ambiente apocalittico. Nella mia prossima serie, rivisiterò queste cinque donne e le ritrarrò individualmente come si relazionano al loro mondo disfunzionale che sta finendo. C’è ancora speranza dopo che l’umanità ha distrutto tutto tranne le pietre?

Sto anche partecipando a una mostra collettiva a Münster chiamata “Imagining Society without Growth”. Presento la mia serie “Coexisting (Join, Connect, Relate, Multiply)” del 2017, che va anche in una direzione simile. Si tratta di un gruppo di creature futuristiche che tornano sulla terra per fecondarla con i loro corpi e creare nuova vita qui.
Mi piace usare la mia pratica artistica per viaggiare nel tempo, immaginare nuovi futuri e immaginare nuove narrazioni su come stare insieme senza dominare o distruggere altre forme di vita.