Antonis Pittas in conversazione con Nicolas Vamvouklis

Antonis, il tuo lavoro affronta le strutture del potere culturale in molti modi: comunica nuove prospettive su questioni sociopolitiche, mette in discussione lo status quo e suggerisce di agire. Tuttavia, una volta hai detto di essere più uno spettatore che un attivista. Puoi approfondire questa distinzione?

È una domanda che ricevo spesso e il mio lavoro è stato classificato come una pratica attivista. Nel mio lavoro, mi vedo come un osservatore attivo nel senso che rivelo le strutture (di potere) e le dinamiche sociali. Non prendo una posizione in cui comunico ciò che è giusto o sbagliato, ma espongo l’ambiguità di queste strutture. L’ambiguità dei simboli gioca spesso un ruolo importante. Come osservatore, mi permetto di decostruire e ricostruire una narrazione, evitando la didattica.

Il linguaggio visivo del modernismo e il suo legame con la politica è un tema ricorrente nella tua ricerca. Quali sono le figure associate a questo movimento filosofico e artistico che ti ispirano di più?

Vengo da Atene, dove sei circondato dal linguaggio visivo del modernismo o dal suo inizio. L’idea delle strutture utopiche mi ha sempre affascinato; la semplicità delle linee contro la sovrabbondanza e il concetto di semplificazione. Questo vale, tra l’altro, per l’architettura, le belle arti, il design, la poesia e il teatro. Mi interessa principalmente l’avanguardia russa, che è arrivata come movimento politico. Il pensiero che queste persone stessero cercando di tradurre il movimento utopico in forme e immagini mi intriga – e questa visione si riferisce alla politica.

Ricordo la prima volta che ho visto il tuo lavoro allo Stedelijk Museum Bureau di Amsterdam nel 2015. Il messaggio “Cosa significa per noi la modernità oggi” era scritto su una delle frasi appuntate. Come risponderesti a questa dichiarazione ora, nel 2022?

Allora sarei stato più sicuro e con una certa speranza. Non dico di non essere ottimista ora, ma non sono così sicuro che la modernità sia la risposta. Guardando al 2022, sento che le cose sarebbero cambiate se la modernità fosse rimasta ai suoi principi. La domanda è se siamo pronti ad accettare nuovamente quei principi e consentire alla modernità di avere successo.

In un progetto che ho realizzato a Parigi, stavo parlando metaforicamente e ironicamente dell’idea che la modernità non ha fallito ma è stata uccisa. Ho creato una scena del crimine nella casa di Theo Van Doesburg, uno dei più importanti esempi architettonici di De Stijl. Con questo lavoro ho cercato di far notare che il fallimento della modernità ha a che fare con il crollo della nostra esistenza; non abbiamo davvero permesso alla modernità di avere successo. In quel caso ha un futuro ma deve basarsi su realtà molto diverse. Speriamo che quelle realtà arrivino!

Mi piace come giochi con la visibilità nello spazio espositivo giustapponendo le opere e dando al pubblico la possibilità di attivare l’interazione tra più livelli. Lo scorso giugno, mi hai beccato a fotografare con il flash “fatto tutto andiamo a casa” nella mostra “Statecraft (and beyond)” curata da Katerina Gregos al National Museum of Contemporary Art Athens (EMST). È uno dei tanti lavori che hai creato di recente utilizzando un foglio “prismatico” riflettente. In che modo ti rapporti a questo materiale?

Ogni volta che sono in macchina osservo il mondo esterno e i momenti di passaggio dalla a alla b, non avendo la patente. Trovo affascinante il materiale riflettente; quando sei in autostrada, il suo ruolo è quello di dare direzione, visibilità e protezione, ma soprattutto controllo. I segnali stradali riflettenti rappresentano una forma fisica e visiva di controllo statale.

Potremmo anche pensare a come le forme e i colori di base dei segnali stradali si relazionano con l’estetica modernista, come il significato del cerchio, del triangolo e del quadrato per il Bauhaus sono diventati il ​​logo nella promozione di questo movimento pionieristico. Inoltre, sono stati ampiamente utilizzati blu, giallo, bianco e rosso.

La materialità di questa pellicola prismatica riflettente porta una dimensione contemporanea e temporale nella nostra discussione; questo elemento fluorescente è lì per attirare la tua attenzione ma ha anche un aspetto performativo quando lampeggia. Il materiale attiva lo spettatore a partecipare e influenza la visibilità degli oggetti circostanti.

Al momento, EMST ospita anche la tua mostra personale “jaune, geel, gelb, yellow. Atti di modernismo con Theo van Doesburg”. La tua installazione fa parte di un nuovo programma che invita gli artisti contemporanei a intervenire nella collezione del museo. Considerando il tuo interesse per le prospettive trans-istoriche nell’arte, sono curioso delle sfide che hai dovuto affrontare mentre lavoravi in ​​questa direzione.

Nel 2019 sono stato membro onorario dell’Università di Amsterdam. La mia ricerca si è basata sul riciclo della storia: contemporaneizzare la storia e storicizzare il contemporaneo. Con storia del riciclo intendo i cicli in cui credo che la storia in qualche modo si ripeta.

Ho studiato a lungo il linguaggio visivo e l’eredità del modernismo e la sua promessa per un mondo migliore e più democratico. L’opera “jaune, geel, gelb, yellow.  Atti di modernismo con Theo van Doesburg” ha preso vita dopo le mie ricerche presso la casa Van Doesburg a Parigi, quando proprio in quello stesso periodo le proteste dei gilet gialli si stavano svolgendo fuori. Mi sentivo come se questo fosse chiaramente uno di questi cicli. Ho ricercato la collezione Theo van Doesburg al Centraal Museum e lì ho fatto un intervento nella collezione che riunisce questi due momenti totalmente diversi nel tempo: la storicizzazione delle proteste e la contemporaneizzazione delle opere storiche.

L’idea che abbiamo avuto con Katerina Gregos e la curatrice della mostra Daphne Vitali all’ EMST era di guardare come possiamo (ri)attivare diversi slanci. Per questo abbiamo deciso di presentare una mostra nella mostra. “jaune, geel, gelb, yellow” si trova al piano che presenta una panoramica storica degli artisti dagli anni ’50 in poi che costituiscono il cuore politico della collezione permanente. L’idea è quella di aprire il dialogo attraverso il panorama storico di questo specifico piano e cercare di renderlo contemporaneo, riportarlo ai nostri tempi e metterlo in relazione con l’attualità. Questo è esattamente quello che ho fatto. Credo che l’installazione riesca ad attivare l’intero spazio; non solo l’area della mia conversazione con Van Doesburg, ma anche l’ambiente circostante, comprese le opere iconiche come quella di Jannis Kounellis.

Mi piacerebbe molto la tua collaborazione per il prossimo episodio di questa rubrica di interviste “Features”. Se dovessi intervistare un artista, un tuo amico, chi sarebbe e perché?

Laure Prouvost — La amo! È una cara amica e ammiro il suo lavoro. Naturalmente, le nostre pratiche artistiche differiscono molto, ma ciò che mi ipnotizza nel suo processo è come l’idiosincrasia possa diventare collettiva in modi diversi.